Tapis Berbères Marocains dans le Design: Du Bauhaus à Saint Laurent

Vous savez à quel point nous aimons nos tapis, n’est-ce pas ? Avec le post d'aujourd'hui, vous comprendrez que les tapis berbères ont été aimés par des personnalités éclectiques et excentriques, par des artistes, des peintres et des architectes de renommée mondiale. Bon, nous sommes un peu partiaux, mais comme vous le découvrirez en lisant, ces artefacts représentent une forme d'art et de culture qui a toujours été appréciée, et avec un style intemporel.

Commençons par dire quelque chose de « trivial », si vous voulez : dans le monde occidental, les tapis ont toujours joué un rôle clé dans la décoration intérieure, mais ils sont devenus de véritables œuvres d'art sous l'influence de designers célèbres et d'architectes de renommée internationale. Depuis l’aube de l’architecture moderne, les pères fondateurs du design d’intérieur tel que nous le connaissons aujourd’hui ont choisi des tapis emblématiques pour enrichir leurs projets et leurs maisons, les transformant en éléments distinctifs de style et d’élégance.

Des chefs-d’œuvre textiles du Bauhaus aux créations plus contemporaines, les tapis appréciés des designers célèbres ont redéfini le concept de décoration intérieure.

Ce voyage à travers les textures et les couleurs des créations les plus célèbres nous fera découvrir comment ces œuvres textiles ont marqué l'histoire du design, laissant une trace indélébile jusqu'à nos jours. Et nous aimons vraiment rappeler que ce sont précisément nos tapis marocains qui ont un rôle prépondérant dans toute cette splendide histoire.

Suivez-nous, en bref, dans un autre de nos très longs posts. Pour vous orienter rapidement, sachez que nous parlerons de :

• Orientalisme : quand le Maroc enchantait l'art moderne
• Le voyage d'Eugène Delacroix au Maroc
• Mariano Fortuny y Marsal : du peintre de guerre à l'orientaliste réaliste
• Henri Matisse : panoramas de Tanger et vues intérieures
• Jacques Majorelle : l'art, la vie à Marrakech, la création des célèbres jardins
• Paul Klee et Vassily Kandinsky : L'Afrique des rêves, des souvenirs, des paysages abstraits
• Tapis et design marocains : l'architecture du XXe siècle
• Tapis célèbres : quand Alvar Aalto a présenté Beni Ourain au monde
• Marcel Breuer et la Chaire Africaine
• Charles et Ray Eames, une maison à vivre et à aimer
• Frank Lloyd Wright et les tapis de la villa la plus célèbre du monde : Fallingwater
• Focus | Les femmes et le Bauhaus, quand le tissage était la seule forme de design autorisée
• Yves Saint Laurent : ambiances coloniales et style mauresque

Comme toujours, nous vous rappelons que l'utilisation du terme berbère représente pour nous une exception à la règle car, comme nous l'avons expliqué ici, nous préférons utiliser amazigh, ou - plus généralement - marocain. À cet égard, pour ceux qui souhaitent en savoir plus sur tous les types de tapis, il existe un article très détaillé sur ce qu'on appelle les tapis marocains .

Orientalisme : quand le Maroc enchantait l'art moderne

L’art occidental des XIXe et XXe siècles s’est souvent tourné vers l’Orient avec des yeux rêveurs, en quête de lumière, de couleurs, d’harmonies nouvelles.

Pour certains artistes, cependant, le voyage en Afrique du Nord n’était pas seulement une suggestion exotique, mais une véritable révolution intérieure et stylistique. Des journaux détaillés de Delacroix aux tapis de lumière de Klee, des bleus vifs de Majorelle aux tissus hypnotiques de Fortuny, des paysages intérieurs de Kandinsky aux rythmes chromatiques de Matisse : le Maroc et ses pays voisins ont laissé une empreinte profonde sur l'art moderne.

Un voyage à travers le regard de ces artistes est aussi un voyage dans la couleur, la matière et l’essence même de la peinture.

Nous sommes sûrs que vous serez fasciné et fasciné aussi.

Le voyage d'Eugène Delacroix au Maroc

En 1832, le peintre français Eugène Delacroix visite le Maroc dans le cadre d'une mission diplomatique , un voyage qui laisse une marque profonde sur son art, notamment dans sa palette de couleurs et son attention méticuleuse aux détails décoratifs. Des scènes de la vie quotidienne, des vêtements traditionnels et des tapis aux motifs complexes sont devenus des éléments récurrents dans ses œuvres, contribuant à diffuser l'esthétique marocaine en Europe .

Eugène Delacroix "Mariage juif au Maroc". Source : Wikimedia Commons , image du domaine public.

Je fais des promenades qui me procurent un plaisir infini, et j'ai des moments de délicieuse paresse dans un jardin aux portes de la ville, sous l'abondance d'orangers en fleurs et couverts de fruits.

Ses carnets de voyage marocains mis à disposition par Google Arts et Culture regorgent d’histoires, d’images et de suggestions.

Delacroix ne recherche pas le bazar, il n’aspire pas à tout prix à un « pittoresque » artificiel : il peint l’authenticité et les espaces intimes et domestiques auxquels il a le privilège d’accéder grâce à ses amitiés avec des personnalités de premier plan de la communauté juive de Tanger.

Dans ses carnets, il note minutieusement les couleurs et les tissus - blanc, rouge, vert velours, vert clair - et dessine des maisons arabes en étudiant en profondeur l'architecture locale, dont il représente des éléments typiques tels que les tuiles, les portes, les fenêtres et les niches.

Du Maroc et d'Alger il rapporta des études qui furent ensuite réutilisées dans certains de ses tableaux dont les plus célèbres sont "Le Mariage juif" au Maroc et "Femmes d'Alger".

En bref, une expérience si puissante et révolutionnaire qu’elle a influencé toute son expression artistique ultérieure.

Eugène Delacroix "Un couple marocain sur leur terrasse". Avec l'aimable autorisation du Metropolitan Museum of Art metmuseum.org , image du domaine public (politique d'accès libre du Met).

Mariano Fortuny y Marsal, du peintre de guerre à l'orientaliste réaliste

Il y a des voyages qui, même s'ils naissent sous une mauvaise étoile, changent votre vie. Pour Mariano Fortuny y Marsal, le Maroc était exactement cela.

En 1860, Fortuny fut envoyé en Afrique pour documenter la guerre hispano-marocaine. Mais alors que de nombreux artistes n'auraient reconstitué sur toile que des batailles et des soldats glorieux, lui est allé bien plus loin. Les couleurs et la lumière, les marchés animés, les rues de Tétouan, les tissus splendides et l'architecture complexe des villes marocaines l'ont emporté.

Ses tableaux ne raconteront pas la guerre, mais la chaleur du soleil sur les murs blancs, la vivacité des caftans décorés, le mystère des intérieurs exotiques.

À partir de ce moment, la fascination pour ce qui était alors considéré comme « l’Orient » ne l’a plus jamais abandonné. Et même si sa vie fut courte, son voyage au Maroc resta imprimé dans sa peinture, faisant de lui l'un des interprètes les plus extraordinaires d'un Orient rêvé, mais profondément vécu.

Mariano Fortuny "Femme marocaine". Source : Wikimedia Commons , image du domaine public.

Mariano Fortuny "Le Café des Hirondelles". Source : Wikimedia Commons , image du domaine public.

Henri Matisse : panoramas de Tanger et vues intérieures

Henri Matisse arrive à Tanger en 1912, dans une période de grande incertitude. Il avait un peu plus de quarante ans, était au sommet de sa carrière, mais la mort de son père l'avait laissé dans une profonde crise artistique. Il ressent le besoin de rompre avec le fauvisme et de chercher une nouvelle voie, et le Maroc lui offre exactement ce qu’il recherche : la lumière, la couleur, le rythme. Il passe deux hivers consécutifs à Tanger, fasciné par les contrastes de cette ville suspendue entre terre et mer, entre le vacarme des souks et le silence de l'intérieur marocain.

C'est là qu'il tombe amoureux de l'art islamique, des arabesques, des couleurs saturées qui semblent vibrer d'une vie propre. Le bleu, le bleu clair, le turquoise le conquièrent, transformant sa peinture. Les formes sont devenues plus simples, la lumière est devenue le protagoniste absolu. Les intérieurs marocains, avec leurs tapis, leurs carreaux géométriques et leurs jeux d’ombres et de reflets , lui ont appris une nouvelle façon de regarder l’espace. Après son séjour au Maroc, le vert et le bleu deviennent ses couleurs directrices, celles qui marqueront sa peinture dans les années à venir.

Il a peint non seulement les paysages de Tanger, mais aussi les atmosphères intimes des chambres marocaines avec leurs protagonistes, où la lumière filtrait à travers des rideaux légers et chaque objet semblait faire partie d'une composition parfaite. Ce qu’il a trouvé au Maroc n’était pas seulement une inspiration, mais une leçon d’essentialité : l’idée que la beauté pouvait naître de la synthèse, de quelques éléments mis en harmonie. Une leçon qu’il garderait à jamais gravée dans sa mémoire.

Regardez ces nuances de bleu et de vert !

Henri Matisse "Zorah sur la terrasse". Source : Wikimedia Commons , image du domaine public.

Henri Matisse "La Fenêtre à Tanger". Source : Wikimedia Commons , image du domaine public.

Si vous êtes également fasciné par l'amour de Matisse pour le Maroc, vous devez absolument regarder cette vidéo .

Jacques Majorelle : l'art, la vie à Marrakech, la création des célèbres jardins

Si vous êtes allé à Marrakech au moins une fois dans votre vie – et si ce n’est pas le cas, nous vous le recommandons vivement ! – vous aurez sûrement visité les merveilleux Jardins Majorelle .

Aujourd'hui abritant le Musée Pierre Bergé des Arts Berbères et le Musée Yves Saint Laurent , leur histoire commence en 1931, lorsque le peintre Jacques Majorelle les crée comme un espace d'inspiration et de refuge. En 1980, Yves Saint Laurent et Pierre Bergé les rachètent, les sauvant de la privatisation et de la transformation en hôtel, et les ouvrent au public. La splendide maison au centre du jardin, initialement atelier et maison de l'artiste, a été conçue par l'architecte parisien Paul Sinoir et mélange, dans une étonnante harmonie compositionnelle, cubisme et style mauresque.

« Étude de Jacques Majorelle au Jardin botanique Majorelle (Marrakech) » par FriedrichFrisch, sous licence CC BY-SA 4.0. Source : Wikimedia Commons .

Et puis il y a lui, le très célèbre « bleu Majorelle » . Avant Klein même, Jacques Majorelle fut l’un des rares artistes à donner son nom à une couleur : un bleu intense, vibrant, entre cobalt et outremer.

Si vous en avez eu le coup de cœur, voici le code hexadécimal #6050dc pour le reproduire sur les murs de votre maison !

Cette teinte riche et vibrante, proche du cobalt et de l'outremer, s'inspire de la majolique zellige émaillée (de l'arabe ﺯﻟﻴﺞ, zullayj, céramique, petite pierre polie) et du bleu lapis-lazuli utilisé dans la décoration en bois appelée zouaq. Vous le retrouverez partout dans les Jardins Majorelle, enveloppant le tout d'une atmosphère magique.

« Marrakech Majorelle Garden 2011 » par Bjørn Christian Tørrissen, sous licence CC BY-SA 3.0. Source : Wikimedia Commons .

Magnifique!

Jacques Majorelle n’était pas seulement un coloriste incroyable, mais aussi un peintre extraordinaire. Fils d'artiste - son père est Louis Majorelle, célèbre décorateur Liberty et Art Nouveau - il s'installe à Marrakech en 1919 et est séduit par ses couleurs et son architecture. Il peint des souks, des casbahs, des ksours, immortalisant le Maroc avec un style clair et presque photographique, et conçoit même des affiches publicitaires pour attirer les touristes européens. Son regard moderne, profondément amoureux du Maroc, vit encore aujourd’hui dans ses œuvres… et, bien sûr, dans le bleu qui porte son nom.

"La casbah de Tinghir" de Narbonne, sous licence CC BY-SA 3.0. Source : Wikimedia Commons .

Vous trouverez ici un hommage intéressant à l'artiste (une courte brochure en anglais qui rassemble certaines de ses œuvres et son histoire).

Paul Klee et Vassily Kandinsky : L'Afrique des rêves, des souvenirs, des paysages abstraits

Paul Klee a visité l’Afrique du Nord à deux reprises dans sa vie et ces voyages ont laissé sur lui une marque indélébile. Bien qu'il n'ait jamais mis les pieds au Maroc, ses expériences en Tunisie en 1914 et en Égypte en 1928 ont transformé sa manière de peindre. Il était fasciné par la lumière, les couleurs et l'architecture de ces lieux, et dans ses peintures commencèrent à apparaître des formes simplifiées, des surfaces vibrantes et des tons chauds, inspirés des paysages d'Afrique du Nord. À Tunis, il peint, avec les artistes August Macke et Louis Moilliet, des œuvres dans lesquelles les contours des maisons, des mosquées et des ruelles se dissolvent en taches de couleur pure. C'est là qu'il écrit la célèbre phrase : « La couleur et moi ne faisons qu'un », signe d'une véritable révélation artistique.

« Hammamet avec sa mosquée » de Paul Klee, 1914. Avec l'aimable autorisation du Metropolitan Museum of Art, New York. Publié dans le domaine public grâce au programme Open Access. Source : Wikimedia Commons .

Le voyage en Égypte au cours de l’hiver 1928-1929 le pousse encore plus loin. Ici, ses œuvres commencent à ressembler à des tapis de lignes et de couleurs , avec des rayures superposées créant de la profondeur, comme un horizon vibrant dans la chaleur du désert. Bien qu’elles paraissent abstraites à première vue, ces compositions rappellent le mouvement du vent sur le sable ou la lueur d’un feu brûlant dans l’air doré du soir. Une synthèse parfaite de forme, de couleur et d'atmosphère.

"Feu le soir" de Paul Klee, 1929. Reproduction photographique fidèle d'une œuvre d'art bidimensionnelle dans le domaine public. Avec l'aimable autorisation du Museum of Modern Art (MoMA), New York. Source : Wikimedia Commons .

Voilà le sens de l’happy hour : moi et la couleur ne faisons qu’un.

Vassily Kandinsky découvre lui aussi l'Afrique du Nord, mais quelques années plus tôt, entre 1904 et 1905, alors qu'il cherche encore sa voie parmi les influences impressionnistes.

Il visite la Tunisie et est frappé par les forts contrastes, les décorations géométriques, les couleurs des majoliques et des mosquées.
Il n'était pas encore l'artiste abstrait que nous connaissons tous : son style était encore en évolution, mais déjà dans ses peintures de cette période on peut entrevoir quelque chose de nouveau, un intérêt pour la simplification de la forme qui le conduirait, quelques années plus tard, vers l'expressionnisme et le tournant définitif de l'abstraction.

Selon les spécialistes, c'est la rencontre avec les géométries parfaites de l'art islamique qui l'a poussé à abandonner le naturalisme et à explorer un langage visuel fait de signes, de couleurs et de symboles .

« Ville arabe » de Vassily Kandinsky, 1905. Avec l'aimable autorisation du Musée national d'art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris. Reproduction photographique fidèle d'une œuvre d'art bidimensionnelle relevant du domaine public. Source : Wikimedia Commons .

« Arabes (Cimetière) » de Vassily Kandinsky, 1909. Avec l'aimable autorisation de la Kunsthalle de Hambourg. Reproduction photographique fidèle d'une œuvre d'art bidimensionnelle relevant du domaine public. Source : Wikimedia Commons .

Pour tous deux, l’Afrique du Nord n’était pas seulement une destination de voyage, mais un lieu de l’âme, une expérience qui transformait leur façon de voir et de peindre . Les paysages réels cèdent la place aux paysages intérieurs et la couleur devient le véritable protagoniste de leurs œuvres.

Tapis et design marocains : l'architecture du XXe siècle

Bref, au début du XXe siècle, les tapis berbères et la culture marocaine fascinent et inspirent de nombreux artistes européens , influençant profondément l’art abstrait et le cubisme.

Nous avons déjà parlé de Paul Klee et de Vassily Kandinsky, mais nous n'avons pas encore dit que tous deux étaient également professeurs au Bauhaus, la célèbre école d'art, de design et d'architecture active en Allemagne entre 1919 et 1933 . Le Bauhaus était un véritable laboratoire d’innovation, un point de rencontre pour les artistes, les architectes et les designers du monde entier, où les idées et les expériences se mélangeaient librement. Les théories développées au cours de ces années révolutionneront non seulement l’art et l’architecture, mais aussi le design industriel, la typographie et même l’artisanat, laissant une marque indélébile sur le design visuel et fonctionnel du XXe siècle.

Le fondateur de l'école, Walter Gropius, était une figure clé du mouvement moderne, avec Le Corbusier et Ludwig Mies van der Rohe. L’héritage du Bauhaus continue d’influencer les architectes, les designers et les artistes du monde entier aujourd’hui. Et Le Corbusier lui-même, grand amateur de tapis berbères, les collectionnait et les exposait dans sa maison à Paris. Il a enseigné à ses étudiants de l'École des Beaux-Arts et d'Architecture un principe clé :

« Faites comme les Berbères, combinez la géométrie avec l’imagination la plus folle. »

Mais c'est Alvar Aalto qui a rendu célèbre l'un des tapis les plus emblématiques. Comme beaucoup de ses contemporains, il a été influencé par le Bauhaus, en particulier par László Moholy-Nagy. Avec Le Corbusier, Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius et Frank Lloyd Wright, il est considéré comme l'un des pères du mouvement moderne.

Là, on était déjà tout excité. Parlons-en maintenant plus en détail :

Tapis célèbres : quand Alvar Aalto a présenté Beni Ourain au monde

Les tapis marocains les plus célèbres de tous sont probablement les Beni Ourain : vous n'avez peut-être pas entendu le nom mais il est presque impossible que vous n'en ayez pas vu au moins un sur certaines photos d'intérieur, surtout si elles sont de style scandinave : ce type de tapis noir et blanc en forme de losange à poils longs est également populaire dans les maisons des influenceurs et a été photographié pratiquement partout.

Mais au début du XXe siècle, Alvar Aalto fut parmi les premiers architectes modernistes à intégrer les tapis Beni Ourain dans ses intérieurs .

Ces luxueux tapis en laine , avec leurs tissages épais, ajoutaient chaleur et confort, atténuant l'aspect minimaliste des espaces modernistes typiques de cette période. La technique de tissage brute, les motifs géométriques abstraits et les couleurs neutres des tapis s'accordent parfaitement avec la philosophie du modernisme, qui visait un art pur et essentiel.

L'un des Beni Ourain les plus emblématiques, avec son design en losange noir et blanc, se distingue dans les images représentant l'atelier personnel d'Aalto, conçu en 1955.

« Studio Aalto 2023 » par Jonathan Platteau sous licence CC BY-SA 4.0. Source : Wikimedia Commons

(Si vous vous demandez ce que font tant de tabourets Ikea - conçus en 1980 - dans l'atelier d'Aalto, continuez à lire !)

Mais sa passion pour les tapis berbères a commencé quelques années plus tôt.

Hugo Alvar Henrik Aalto, architecte et designer finlandais, a été l'une des figures les plus influentes dans le façonnement de l'esthétique du design nordique et scandinave. Son approche se fonde sur le principe du Gesamtkunstwerk, une œuvre d’art totale qui implique la conception complète d’un environnement : du bâtiment lui-même jusqu’à l’ameublement, en passant par l’éclairage et les objets.

En 1935, il fonde avec sa femme Aino, Maire Gullichsen et Nils-Gustav Hahl la célèbre société Artek, un laboratoire de design qui s'occupe de meubles, de tissus et d'objets en verre. Aalto fut également l'un des premiers à utiliser le contreplaqué courbé, son célèbre tabouret empilable, son fauteuil et son chariot en bois courbé devenant des icônes de design mondialement reconnues.

Si célèbres qu’ils furent ensuite habilement imités. Oui, ceux sur la photo sont les tabourets Artek, qu'Ikea ​​a ensuite - c'est le moins que l'on puisse dire - réinterprétés trente ans plus tard. Et le plus absurde, c’est que le public connaît mieux ces derniers que les originaux.

L'histoire des tapis berbères pour Aalto a commencé à l'été 1935 , lors d'un voyage avec Aino à travers l'Europe pour étudier les dernières tendances en matière d'architecture et de design. À Zurich, Aino a pris contact avec le magasin de design Wohnbedarf, qui est devenu une source d'inspiration essentielle pour Artek, grâce à son exposition de tapis berbères. L’exposition d’art populaire nord-africain de Wohnbedarf présentait des tapis amazighs, produits par des Amazighs utilisant des techniques de tissage traditionnelles – parfaits pour l’esthétique du design moderniste et l’évolution de l’architecture brutaliste.

« La Maison Aalto, Helsinki » par Ninara sous licence CC BY 2.0. Source : Flickr

Wohnbedarf et Artek partageaient le même fournisseur de tapis au Maroc, et les tissus exposés à Zurich ont profondément influencé l'esthétique et les choix de produits d'Artek. Les tapis berbères ont ainsi été utilisés non seulement dans la maison privée des Aalto, mais également dans des projets pour des clients privés tels que la Villa Mairea et la Villa Skeppet (ci-dessous).

"Villa Mairea" par Andrew Carr sous licence CC BY-NC-ND 2.0. L'image n'a subi aucune modification. Source : Flickr

"Intérieur de la Villa Skeppet" par Göran Schildt. Avec l'aimable autorisation de la Société littéraire suédoise en Finlande. Licence du domaine public CC BY 4.0. Source : Wikimedia Commons

En 1936, Artek crée un « appartement modèle » à Helsinki, sur Minervankatu, où il expose des meubles et des accessoires de son catalogue. Dans chaque pièce, il y avait au moins un tapis en laine blanche à poils longs, avec les décorations caractéristiques en losanges noirs ou en zigzag.

"Exposition de l'appartement témoin Minervankatu 1936, salon". Photographie de Heinrich Iffland. Avec l'aimable autorisation de la Fondation Alvar Aalto. Licence CC BY 4.0. Source : ResearchGate .

La même année, Aalto et Artek organisent une exposition au magasin d'Helsinki, qui présente une sélection importante de tapis amazighs du Maroc.

Et, curieusement, savez-vous qui a conçu la boutique Wohnbedarf ? Marcel Breuer!

Marcel Breuer et la Chaire Africaine

Créateur du fauteuil Wassily et de la première chaise cantilever Cesca en tube d'acier et rotin, Marcel Breuer entretenait une relation particulière avec le Maroc, pays qu'il visita entre 1932 et 1935 , et où il fut profondément influencé par les traditions artistiques locales. Durant son séjour, Breuer a eu l’occasion d’entrer en contact avec la culture marocaine, en explorant son art, son architecture et, surtout, ses tapis. Ce dernier, comme d’autres designers et architectes modernistes, représentait un lien direct avec la simplicité, l’artisanat et la géométrie, qui résonnaient parfaitement avec les idées du mouvement moderne et du Bauhaus.

Dans le contexte du Maroc, Breuer a non seulement trouvé l’inspiration pour ses créations, mais a également commencé à incorporer des éléments de cette culture dans ses créations. Son exploration des tapis marocains, par exemple, l’a amené à considérer l’utilisation de tissus et de textures qui pourraient évoquer une vision plus organique et naturelle, capable de répondre aux besoins esthétiques du design moderne.

Breuer a également montré un intérêt croissant pour les formes d'art et les cultures non européennes, notamment l'Afrique et l'Afrique du Nord, en relation avec la « Chaise africaine » conçue en 1921 avec Gunta Stölzl*. Dans cette chaise, l’utilisation de matériaux naturels tels que le bois et le rotin évoque un lien avec les pratiques traditionnelles non occidentales, ouvrant la voie à une nouvelle vision esthétique qui inclurait d’autres traditions culturelles, comme celle marocaine.

> Parlons de Gunta Stölzl et des femmes du Bauhaus dans le paragraphe : Focus | Femmes et Bauhaus, quand le tissage était la seule forme de design autorisée

De plus, Breuer a été parmi les architectes les plus importants à expérimenter la connexion entre l'art et l'architecture, en apportant une approche intégrée à la conception d'intérieurs et d'espaces architecturaux, comme dans le cas de la maison conçue pour Walter Gropius, où le tapis en tapisserie a remplacé la tête de lit traditionnelle, un élément qui symbolisait une fusion entre fonctionnalité et décoration (dans ce cas le tapis n'est pas marocain mais il nous semble un excellent point de départ pour l'utilisation originale des tapis !).

« Chambre principale de la maison Gropius » par SHendry11, sous licence CC BY-SA 4.0. Source : Wikimedia Commons

L’influence du Maroc sur Breuer n’était pas seulement esthétique, mais aussi philosophique : sa recherche d’une synthèse entre modernisme et tradition, entre formes puristes et utilisation de matériaux naturels, se rapprochait beaucoup de la vision des artisans marocains, qui, à travers le tissage de tapis et d’autres objets, transmettaient un lien fort avec la nature, la géométrie et la spiritualité. Cet intérêt pour la culture marocaine a été un élément qui a enrichi le parcours de Breuer , tant en design qu'en architecture, donnant vie à des solutions innovantes qui sont encore appréciées aujourd'hui pour leur élégance et leur modernité.

Charles et Ray Eames, une maison à vivre et à aimer

L'esthétique d'Aalto a eu un impact majeur sur le travail des designers industriels Charles Eames et Ray Kaiser, qui, comme leurs contemporains, ont cherché à créer un dialogue entre modernité et tradition, fonctionnalité et beauté.

Parmi les designers les plus influents du XXe siècle, les Eames ont su révolutionner l’approche du design et de l’architecture, en intégrant l’innovation avec une forte concentration sur l’art et la fonctionnalité. Leur partenariat créatif couvre de nombreux domaines, de la conception de meubles emblématiques tels que le célèbre fauteuil lounge Eames à la décoration intérieure, à la photographie et même au cinéma. Lors de leurs voyages, notamment à Marrakech dans les années 1950, les Eames s'inspirent de la culture marocaine et notamment des tapis berbères , qui deviennent un élément récurrent dans leurs décorations intérieures. Les tapis, avec leurs motifs géométriques et leurs couleurs intenses, s'intègrent parfaitement à l'esthétique minimaliste et fonctionnaliste typique de leur design, créant des espaces élégants et accueillants. Ces tapis enrichissaient non seulement leurs créations, mais reflétaient également un intérêt pour la simplicité et l’artisanat, thèmes chers aux Eames, qui croyaient en l’union de la beauté et de la fonctionnalité.

L'un des exemples les plus célèbres de la manière dont les tapis berbères ont été incorporés dans leurs créations peut être vu dans la maison que Charles et Ray Eames ont construite à Los Angeles - Pacific Palisades, en Californie. Dans cet espace, les tapis berbères se mêlent au mobilier en bois et en acier, avec un équilibre parfait entre matières naturelles et modernisme. L’utilisation de tapis apporte de la chaleur aux espaces minimalistes, créant un contraste charmant avec les lignes épurées et nettes de leurs chaises et fauteuils.

« Eames House » par Edward Stojakovic sous licence CC BY 2.0. L'image n'a subi aucune modification. Source : Flickr

« Salon de la maison Eames, 1949. Étude de cas Maison n° 8. LACMA » par Rob Corder sous licence CC BY-NC 2.0. L'image n'a subi aucune modification. Source : Flickr

La villa représente pleinement leur approche, avec sa structure minimaliste mais accueillante, capable de refléter un équilibre parfait entre modernisme et touches personnelles. Composé de deux pavillons rectangulaires en verre et en acier, d'un côté la zone résidentielle, de l'autre le studio et le laboratoire, c'est un mélange parfait entre minimalisme et maximalisme, créant un environnement qui transmet modernité, spontanéité, optimisme et une ouverture d'esprit qui rend cette maison unique.

Les photographies de la villa montrent souvent les Eames assis dans le salon, par terre, entourés de tapis marocains complexes aux motifs géométriques , typiques des tapis Beni Ourain . Ces tapis, avec leur mélange de rouge, noir et orange, représentent un élément de contraste visuel avec les autres meubles, mais s'intègrent parfaitement dans l'environnement, enrichissant l'espace de leur énergie et de leur histoire. Le salon est une véritable expression d'une esthétique éclectique (que l'on pourrait aussi définir comme un peu bohème), où mobilier et accessoires se mélangent naturellement et avec personnalité. Chaque élément raconte une histoire, et ensemble ils créent une atmosphère qui ne peut pas être simplement étiquetée : il ne s'agit pas seulement de style américain, européen, scandinave, industriel ou japonais, mais d'une combinaison de toutes ces influences, qui se fondent dans un mélange unique.

Dans cette villa, Charles et Ray Eames ont mis toute leur personnalité, prenant soin de chaque détail avec amour. Les pièces prêtes à l'emploi, les objets artisanaux, les cadeaux d'amis, de la famille et des collègues ne manquent pas. La maison est leur déclaration de style, un manifeste visuel qui repousse les limites du design conventionnel et n'hésite pas à combiner le haut et le bas, le moderne et le traditionnel, dans un jeu harmonieux de contrastes qui rend chaque coin surprenant. Et, dans ce contexte, les tapis marocains ne sont pas de simples décorations, mais des symboles d’une recherche d’authenticité, d’artisanat et d’une fusion parfaite entre le global et le local.

En 1957, les Eames entament une collaboration avec Vitra, une entreprise qui continue de produire et de distribuer leurs œuvres dans le monde entier, faisant connaître leur approche innovante du design à des millions de personnes.

« Les détails ne sont pas les détails. Ils fabriquent le produit. Au final, ce sont ces détails qui donneront vie au produit.» Charles et Ray Eames

Frank Lloyd Wright et les tapis de la villa la plus célèbre du monde : Fallingwater

Frank Lloyd Wright est universellement reconnu comme l’un des plus grands architectes du XXe siècle. Sa philosophie de conception, définie comme « architecture organique », visait à créer des bâtiments qui s'intègrent parfaitement à leur environnement, mélangeant nature, matériaux et espaces de vie dans un équilibre harmonieux. Cette vision trouve son expression maximale dans l’une de ses œuvres les plus célèbres : Fallingwater, conçue en 1935 pour Edgar J. Kaufmann, un entrepreneur de Pittsburgh.

La maison, nichée dans la roche au-dessus d’une cascade, est un chef-d’œuvre de légèreté et de solidité, où chaque élément – ​​du béton aux poutres en acier, en passant par le revêtement en pierre locale – contribue à créer un environnement en parfaite harmonie avec le paysage. Les intérieurs suivent la même logique : mobilier intégré, baies vitrées continues qui dissolvent la frontière entre l'intérieur et l'extérieur, et une palette de couleurs inspirée des tons de la nature.

« Fallingwater, Pennsylvanie » par Euelbenul, sous licence CC BY-SA 4.0. Source : Wikimedia Commons

Même si des centaines de visiteurs foulent désormais chaque jour ses pièces, Fallingwater conserve toujours un charme habité, comme s'il était prêt à accueillir ses propriétaires d'origine à tout moment. Bien qu'il soit interdit aux touristes de s'asseoir, les coussins des canapés sur mesure de Wright sont toujours recouverts du même tissu beige richement tissé qu'autrefois, et les sols en pierre du spacieux salon-salle à manger sont décorés de tapis berbères aux tons chauds .

Cela devrait ressembler à une maison, pas à un musée d’État.

Ce choix n’est pas accidentel. Wright accordait une grande importance aux matériaux naturels et à leur capacité à transmettre chaleur et authenticité. Le fils du mécène, Edgar Jr., souhaitait que la maison conserve cette atmosphère accueillante, comme l’explique la conservatrice en chef Lynda Waggoner : « Elle doit ressembler à une maison, pas à un musée d’État. »

Et c’est précisément cette attention portée aux détails, des tapis marocains à la disposition des meubles, qui fait de la Fallingwater House encore aujourd’hui un symbole intemporel d’équilibre entre design et nature.

« Fallingwater » par Sakul9, sous licence CC BY-SA 4.0. Aucune modification n'a été apportée. Source : Wikimedia Commons

"Fallingwater - un court métrage sur la fin de la pluie" par Sakul9, sous licence CC BY-SA 4.0. Aucune modification n'a été apportée. Source : Wikimedia Commons

Focus | Les femmes et le Bauhaus, quand le tissage était la seule forme de design autorisée

Dans les années 1920 et 1930, le monde a connu de profonds changements sociaux et culturels, et la condition des femmes, en particulier dans les pays occidentaux, a subi des transformations importantes. Le mouvement pour les droits des femmes gagnait du terrain : les gens se battaient pour le droit de vote, pour un meilleur accès à l’emploi et pour de nouvelles libertés sociales. La figure de la « garçonne » devient un emblème de modernité et de rébellion, mais en réalité le modèle traditionnel de la femme continue de dominer.

La relation entre les femmes et le Bauhaus était particulièrement controversée, comme c'était souvent le cas avec de nombreuses formes d'art et d'expression . Malgré le grand nombre de candidatures d’étudiantes, l’accès était sévèrement limité. Et même pour les quelques uns qui étaient acceptés, les options étaient limitées : ils ne pouvaient pas suivre de cours d'architecture, de peinture ou de design, mais étaient dirigés exclusivement vers les ateliers de tissage, de céramique et de reliure.

« Webereiklasse Webmeister Kurt Wanke, Bauhaus Dessau » par Walter Gropius, vers 1928. Avec l'aimable autorisation des Archives du Bauhaus, Berlin. Domaine public. Source : Wikimedia Commons

Mais, comme cela arrive souvent, la détermination et la créativité des femmes trouvent toujours le moyen d’émerger ! Ces limites se sont transformées en opportunités, et les influences artistiques du Bauhaus ont pris vie à travers des tissus et des tapisseries qui, à y regarder de plus près, révèlent des affinités surprenantes avec les tapis berbères modernes.

L'œuvre de Gunta Stölzl, en particulier, évoque immédiatement l' Azilal , le Zindekh et le Boucherouite :

"Tapiseria stworzona de Guntę Stölzl à Latach 1927-1928" par Jennifer Mei. Licence CC BY 2.0. Source : Wikimedia Commons

Comment ne pas retrouver les tapis Hassira dans cette œuvre extraordinaire en coton, lin, raphia et fil d'argent d'Anni Albers, que l'on admire sur la photo exposée à la Tate Modern ?

Au Bauhaus, Anni a appris de Paul Klee les possibilités expressives d’une grille, et dans les tissus des cultures anciennes, elle a reconnu un langage visuel puissant. Albers développe ensuite les « textures picturales » élevant le tissu au rang d’esthétique pure. Son mémorial de l'Holocauste « Six prières », commandé en 1965 par le Musée juif de New York, offre au spectateur une occasion de contemplation et de réflexion privée.

« Six prières » (L'exposition Anni Albers à la Tate Modern est étonnante, par Steve Bowbrick), sous licence CC BY-SA 2.0. Source : Wikimedia Commons.

Et que dire de ces motifs rayés ultra contemporains ?

« Anni Albers (1899–1994) Design for a Silk Tapestry 1926 » par Art est un mot. Source : Flickr , œuvre du domaine public.

Yves Saint Laurent : ambiances coloniales et style mauresque

Yves Saint Laurent et le Maroc : une histoire d'amour en couleurs . Le créateur français, génie absolu de la haute couture, a trouvé à Marrakech une seconde maison, un refuge créatif et une source inépuisable d’inspiration. Son lien avec ce pays d’Afrique du Nord était si intense qu’il a influencé non seulement ses collections, mais aussi son style de vie et la façon dont il concevait les espaces de vie. Voici comment il l'a lui-même raconté :

« Quand j’ai découvert le Maroc, je me suis rendue compte que la palette de couleurs que j’utilisais était celle des zelliges, des zouacs, des djellabas et des caftans. Depuis, je dois mes choix audacieux dans mon travail à ce pays, à ses harmonies puissantes, à ses combinaisons audacieuses, à la fougue de sa créativité. Cette culture est devenue mienne, mais je ne l’ai pas seulement absorbée : je l’ai annexée, transformée, adaptée. »

Et en effet, quiconque a eu le plaisir de flâner dans ses riads et villas à Marrakech aura remarqué comment son amour pour l’art mauresque et le style français s’est fusionné en un mélange sophistiqué et sensuel. Un univers d'arcs outrepassés, de cours ombragées, de mosaïques aux couleurs vives, de lanternes sculptées et de tapis marocains enveloppants à la texture douce.

En parlant de tapis : pensez-vous qu’YSL s’est limité à décorer les sols avec des tissus industriels anonymes ? Absolument pas ! Les intérieurs de ses résidences étaient une débauche de kilims berbères, de tapis en laine douce Beni Ourain et de pièces uniques tissées à la main par les tribus de l'Atlas . Le tout agencé avec cette maîtrise qui transforme un espace en une véritable expérience esthétique.

Mais si Saint Laurent et son associé Pierre Bergé avaient une vision, un homme a concrétisé leurs rêves : Bill Willis , le décorateur d'intérieur américain qui a révolutionné la manière de meubler les maisons de la jet-set internationale. On lui confie à la fois la villa Dar Es Saada, achetée en 1974 et rebaptisée « la maison du bonheur et de la sérénité », et la Villa Oasis, une demeure de style mauresque peinte en bleu que Saint Laurent et Bergé acquièrent en 1980 – appartenant auparavant à Majorelle, qui a créé les jardins luxuriants évoqués plus haut.

Willis a réinterprété le soi-disant « style marocain », en le mettant à jour avec une touche contemporaine et en le fusionnant avec l'élégance du style français . Il a le mérite d’avoir redécouvert et fait revivre des détails décoratifs tels que les stucs sculptés, les fontaines en mosaïque et, bien sûr, les magnifiques tapis berbères que nous associons aujourd’hui à l’esthétique marocaine la plus raffinée.

Alors, si jamais vous vous retrouvez à vous promener dans les rues de l’emblématique Jardin Majorelle ou dans les chambres de la Villa Oasis, arrêtez-vous un instant pour admirer les tapis sous vos pieds. Derrière chaque nœud et chaque motif géométrique se cache une histoire, faite de culture, de tradition et d’une pincée de ce génie créatif qui a rendu Yves Saint Laurent immortel.

Ps : Aujourd'hui la Villa Oasis est la propriété de la Fondation Jardin Majorelle et abrite au rez-de-chaussée le Musée des Arts Berbères et Islamiques, musée qui expose une collection offerte par Bergé, grand érudit et connaisseur de l'art marocain et du patrimoine culturel local.

En conclusion

Bauhaus, Rationalisme, Modernisme, Brutalisme : ces mouvements ont marqué l'histoire et continuent d'influencer architectes, architectes d'intérieur et designers du monde entier. Le design du milieu du siècle, le style scandinave et nordique, le style industriel, s'inspirent et s'inspirent largement de ces illustres prédécesseurs.

Et nous sommes heureux de dire que les tapis marocains ont joué un rôle fondamental dans la définition du style . Mais aussi en adoucissant et humanisant des traits et des matériaux souvent très dépouillés et géométriques. Ainsi, la combinaison de moquette moelleuse, de bois et de béton est devenue un incontournable pour la maison contemporaine.